119 Musique (s) De (s) Tradition (s)

Calypso Rose, proclamée reine du calypso en 1972, n’a pas volé son titre. Elle est encore maintenant le porte-parole de ce style originaire de Trinité-et-Tobago, jadis réservé uniquement à la gente masculine. Tout un emblème donc, qui fait de Calypso Rose une figure contemporaine de la lutte pour le droit des femmes.
La France, tombée sous son charme avec son album «Far From Home» lui a réservé un triomphe : plus de 100 000 copies vendues (disque de platine).
La diva de 78 ans, 22 albums au compteur, s’amuse avec brio de la nostalgie, du «blues» caribéen, du bien-vivre et d’une lutte qui continue : le mariage de la musique noire et du combat social.
Elle revient avec un nouveau projet «So Calypso !» et 12 nouveaux titres à travers lesquels elle revisite ses premiers succès, qui enflamment également ses concerts, ainsi que les références qui ont bercé sa carrière musicale : Nat King Cole, Aretha Franklin, The Melodians, Angélique Kidjo.

Tel un opéra miniature, le tango est un genre musical qui traverse toutes les époques. D'une modernité incroyable, il parcourt les siècles tout en gardant un temps d'avance. C'est pour cette raison qu'il est tant joué et écouté. D'une durée inférieure à trois minutes, on y trouve un décor et une ambiance hyperréaliste dans lesquels des personnages, à la description cruelle, frisent souvent avec l'auto-lamentation, la passion et la tragédie. Intuitive, la musique des tangos est surtout liée à sa propre histoire, aussi banale qu'universelle. Pour mieux le comprendre, il nous faut retourner aux origines dramatiques des vieux tangos, ces documents uniques de poésie crue, et aux décors qui les ont vu naître. Le Duo Bishop Rigou est le fruit d'une improbable alchimie entre deux musiciens : Céline Bishop, pianiste au toucher tantôt délicat, tantôt puissant. Luis Rigou, chanteur à la voix exquise et virtuose de la flûte. Avec Tango Secret, le duo s'attache à faire découvrir les perles rares et oubliées du tango avec une force expressive sans retenue.

Quand Gohan Ga Dekitayo sort en 1980, Akiko Yano est en tournée avec le Yellow Magic Orchestra depuis plus d'un an. Elle joue du clavier aux côtés des trois membres fondateurs, Haruomi Hosono, Ryuichi Sakamoto et Yukihiro Takahashi, ainsi que du guitariste Kenji Omura et du programmeur de synthé Eseur Hideki Matsutake. Tous sont présents sur l'album Gohan Ga Dekitayo. Ce double album, dont le titre pourrait se traduire par "Le Dîner est prêt", a été co-produit par Ryuichi Sakamoto et enregistré dans deux studios légendaires : le studio Alfa "A" à Tokyo et le Sound City à Los Angeles. C'est la première fois qu'Akiko adopte un son plus électro après quatre albums studio plus pop et jazz-funk. Sur les quatorze titres l'artiste japonaise est en pleine forme, mêlant sa sensibilité d'auteur-compositeur-interprète au son électro-pop de YMO.

Faut-il chercher le message dans la photo de la pochette de ce huitième enregistrement studio de Danyèl Waro ? Serait-ce l'illustration de la maxime qui dit que tenter de comprendre l'âme humaine, c'est comme essayer de vider la mer avec un seau ? Enregistré au studio Oasis, un studio mythique de la Réunion tombé un peu en sommeil, la console a été dépoussiérée pour les sessions. Le maloya puissant de Danyèl Waro a pu alors résonner avec toute sa force. Accompagné et soutenu par les choeurs de son nouveau quartet (Mickaël Talpot au rouler, Bino Waro, son jeune fils, au sati-piker, Gilles Lauret au triangle et à la basse et le vieux compagnon Laurent Dalleau aux congas), Danyèl livre ici un album qui revient à l'essentiel : hommages aux hommes qui comptent pour lui (Dédé Lansor, Daniel Singaïny, Georges Brassens dont le Je me suis fait tout petit est adapté en créole), conte écologique (Tizan), rencontres (Sentier des Lauzes), écho ironique et mordant au quotidien (Babilonn, Kayanm, Dann Wi).

Le Williamsburg prégentrifié sert de toile de fond à Fu Chronicles qui nous fait remonter à l'époque où l'ensemble afrobeat de 12 musiciens et le vénérable label soul Daptone Records sont nés au dojo kung fu de Duke Amayo. Maître principal de l'école d'arts martiaux Jow Ga Kung Fu, le chanteur Duke Amayo, accompagné du saxophoniste baryton et fondateur d'Antibalas Martin Perna, guide les auditeurs dans un voyage épique où le kung fu se croise ingénieusement à l'afrobeat. Le fougueux ensemble, augmenté ici de cinq autres musiciens, transforme l'oeuvre d'Amayo en compositions hypnotiques et revigorantes aux rythmes singuliers de la résistance.

La force la plus naturelle est issue de ces quatre éléments : la terre, l'eau, l'air et le feu. Ces quatre forces fusionnent l'art et la vie. Il a semblé nécessaire à Emel Mathlouthi pour ce 3e album de remonter à la source, à cette part de l'Univers qu'on a trop peu considérée. C'est dans la nature qu'Emel a retrouvé la flamme de son combat ainsi que les armes pour le mener à bien. à la fois théâtre victime de notre débâcle et puissance menaçante, la nature et ses attributs mythiques ont inspiré cet opus qui invite à l'union, le recueillement et à l'action. Malgré des différences frappantes avec ses précédents travaux, Everywhere we looked was burning doit d'abord se comprendre dans la continuité d'Ensen (2017). Après la révolte de Kelmti Horra et le questionnement identitaire d'Ensen, ce disque s'attaque au dehors. Le même regard mélancolique et désabusé se tourne vers l'extérieur et s'adresse directement au monde grâce à une poésie écrite en langue anglaise.

Emel s'est fait connaître lorsque son morceau Kelmti horra (My word is free) de 2012 est devenu un hymne au cours du Printemps arabe, lui valant le titre de "voix de la révolution tunisienne", puis une invitation à se produire durant la cérémonie de remise du prix Nobel de la Paix en 2015. Sa musique sincère et puissante défie les genres, mélangeant électronique, textures tunisiennes et univers cinématique. Combinant le politique et le personnel, portée par sa voix exceptionnellement expressive et d'une large tessiture, elle exprime ses sentiments mais aussi ceux de beaucoup de gens. Sur ce deuxième album elle distille sa musique électronique et acoustique en un style qui résolument lui appartient, citant Ben Frost, Samaris et James Blake comme influences artistiques.

On retrouve le violoncelliste avec son ensemble de la route de la Soie Silk Road Ensemble ; le répertoire mêle musiques traditionnelles des cinq continents et influences diverses enrichit de chaque culture des musiciens qui composent l'ensemble.

Ce second album est l'hypnotique suite des chansons des années 20 de Smyrne et d'Istanbul qu'on trouvait sur son premier disque. L'artiste entame ici sa migration à travers les âges et les frontières pour poursuivre son voyage d'exploratrice des chansons d'Athènes, des Balkans et du sud-est Anatolien. Le groupe de Cigdem, composé de musiciens de classe mondiale, sous la houlette une fois encore du directeur musical Nikolaos Baimpas, accompagne ce voyage avec un style moderne et un son limpide, embellissant les racines profondes de ces mélodies avec des influences jazzy modernes et des improvisations inspirées. Les chansons évoquent avec romance et nostalgie, de façon languissante, une époque où les cultures, les langues et les ethnies entrent en collision pour créer une musique qui s'infiltre jusqu'à nos os, avec la joie et la tragédie mélangées. Cet opus est une célébration et un hommage à une époque qui, maintenant plus que jamais, semble à la fois lointaine et très proche de nous.

Le chanteur rend hommage à Rûmî, grand poète persan du XIIIème siècle. Jalâl ud Dîn Rûmî est un grand mystique persan qui a profondément influencé le soufisme. Son nom est intimement lié à l'ordre des derviches tourneurs, une des principales confréries soufies, qu'il fonda dans la ville de Konya, située aujourd'hui en Turquie. Le chanteur est accompagné (târ, setâr, kamanché, ney, daf et tombak) par de grands musiciens persans.